- Narrativa não tradicional:Filmes experimentais muitas vezes rejeitam narrativas lineares em favor de narrativas mais fragmentadas ou abstratas.
- Técnicas inovadoras:Os cineastas usam métodos não convencionais em cinematografia, edição e design de som.
- Foco na forma e no conteúdo:A ênfase geralmente está na experiência visual e auditiva, em vez do enredo ou do desenvolvimento dos personagens.
- Expressão pessoal:Muitos filmes experimentais refletem a visão e o estilo únicos do cineasta.
Cinema experimental vs. cinema convencional
Uma das maiores diferenças entre o cinema experimental e o mainstream é a estrutura narrativa. Os filmes mainstream geralmente seguem uma estrutura de três atos com começo, meio e fim. Os filmes experimentais geralmente usam narrativas não lineares ou fragmentadas, focando mais no clima e na atmosfera do que no enredo.
Na produção, os filmes populares normalmente buscam um produto final polido e comercialmente viável. Eles podem usar efeitos especiais caros, atores conhecidos e assim por diante. Filmes experimentais são mais propensos a usar coisas como filmagens encontradas, quadros pintados à mão e ângulos de câmera estranhos.
As expectativas do público são geralmente diferentes para filmes experimentais quando comparados ao cinema convencional. Filmes de vanguarda são para públicos de nicho que estão acostumados com métodos de narrativa não convencionais, e eles geralmente têm um lançamento limitado em festivais de cinema, galerias ou cinemas independentes. Eles são mais sobre expressão artística do que ser um sucesso comercial. Filmes convencionais, no entanto, são projetados para atrair grandes públicos e ganhar dinheiro nas bilheterias. Isso significa que eles têm que atrair uma ampla gama de espectadores, então eles geralmente se apegam a narrativas claras, personagens relacionáveis e finais satisfatórios.
Uma breve história do cinema experimental
O começo
Na década de 1920, o cinema estava começando a ganhar força. A resistência que ele tinha visto das classes altas (como uma forma de entretenimento de baixo nível) estava fracassando, então artistas e cineastas começaram a explorar o cinema como um meio de expressão artística.
Movimentos de vanguarda europeus como Dadaísmo e Surrealismo teve uma grande influência nisso, e filmes como Um cão andaluz (1929) de Luis Buñuel e Salvador Dalí (sim, o artista!) inovou com sequências oníricas e imagens chocantes. Um cão andaluz é um curta-metragem com imagens desconexas, e abre com uma cena em que um olho é cortado com uma navalha. Esses visuais chocantes foram feitos para evocar emoções e pensamentos, em vez de transmitir qualquer tipo de narrativa.
O que são Dadaísmo e Surrealismo?
O dadaísmo abraça o caos e o absurdo, com foco na mente inconsciente e na lógica dos sonhos. Surgiu das reações à Primeira Guerra Mundial e tinha um sentimento antiburguês. Muitas vezes, os cineastas usavam colagens com objetos encontrados e materiais estranhos para fazer seu trabalho.
O surrealismo foi influenciado por De Sigmund Freud teorias e usa técnicas como automatismo e justaposição para criar cenas bizarras e ilógicas que supostamente desbloqueiam partes mais profundas da nossa imaginação e experiência.
Meados do século XX
O cinema experimental teve um certo boom em meados do século XX, principalmente nos Estados Unidos e na Europa. Maya Deren‘s Malhas da Tarde (1943) usa imagens surreais e simbólicas e técnicas avançadas de edição para explorar temas de identidade e percepção. Kenneth Raiva‘s Ascendente em Escorpião (1963) combinou cultura pop e simbolismo oculto, usando uma trilha sonora que integrava rock and roll com visuais provocativos — algo bastante inovador para a época! A raiva é frequentemente creditada por lançar as bases para os videoclipes modernos.
Stan Brakhage‘s trabalho, particularmente Cão Estrela Homem (1964), empurrou os limites da abstração visual, usando técnicas como pintura diretamente no filme e usando close-ups extremos de objetos naturais. Seus filmes não tinham narrativas tradicionais, focando em vez disso no impacto sensorial e emocional do som e dos visuais.
FSurgiram cooperativas de cinema e cinemas independentes, que forneceram plataformas para que essas obras experimentais fossem exibidas e discutidas, ajudando o gênero a crescer.
Final do século XX
A tecnologia digital abriu novas possibilidades para cineastas experimentais em termos de custos de produção mais baixos, o que permitiu flexibilidade para experimentar, e novas vozes do gênero começaram a surgir do mundo todo.
Diretores como David Lynchcom filmes como Cabeça de borracha (1977), continuou a expandir os limites da narrativa e do estilo visual. Ele estava na casa dos 30 anos quando o filme foi lançado, com críticas mistas, descrevendo-o como “um sonho de coisas sombrias e perturbadoras”.
Filmes experimentais contemporâneos
Em termos de filmes experimentais atualizados, você pode se perguntar como eles podem se destacar ou ser chocantes, quando tanto já foi feito! Bem, os gostos de Apichatpong Weerasethakul e Lars von Trier continuam a ultrapassar esses limites. Von Trier favorece trilogias, seja pelo estilo ou pelo tema, e é tão fã da vanguarda que chegou a fundar Dogma 95 (junto com Thomas Vinterberg) em 1995, seu próprio movimento cinematográfico que estabeleceu princípios “purificadores” como:
- Os filmes devem ser filmados no local, sem trazer acessórios ou cenários.
- Somente som diegético; a música deve fazer parte da cena.
- Câmeras portáteis devem ser usadas para todas as filmagens.
- O filme colorido deve ser usado sem iluminação especial.
- O filme deve se passar no aqui e agora; sem cenários históricos ou futuristas.
- Filmes de gênero não são permitidos.
- O filme deve estar no formato Academy 35mm.
- O diretor não deve ser creditado.
Com a evolução da tecnologia, a produção cinematográfica foi democratizada (até certo ponto), e isso significou mais filmes experimentais de diversas origens culturais. Plataformas online e festivais de cinema centrados em cinema de vanguarda também foram cruciais para levar obras experimentais a públicos mais amplos.
Filmes experimentais de destaque
1. Um cão andaluz (1929), dirigido por Luis Buñuel
Já mencionamos esse filme mudo francês, mas ele é famoso por suas imagens chocantes e surreais, incluindo a cena de uma navalha cortando um globo ocular. Essas imagens foram inspiradas pelos sonhos dos dois escritores Buñuel e Dali, que podemos apenas supor que estavam comendo muito queijo antes de dormir. A resposta do público ao filme foi surpreendentemente positiva, o que deixou Dali um pouco chateado, pois ele queria chocá-los e aborrecê-los! Um cão andaluz desde então influenciou inúmeros cineastas e artistas com sua abordagem ousada e interessante…(!).
2. Malhas da Tarde (1943), dirigido por Maya Deren e Alexandre Hackenschmied
O curta-metragem mudo de Deren foi codirigido por seu marido e desde então foi reconhecido por sua importância histórica e cultural pela Biblioteca do Congresso. Este é outro filme fortemente influenciado pelo surrealismo e explora a psique de uma mulher por meio de imagens simbólicas, como a silhueta de uma mulher com uma flor em um drive e um telefone fora do gancho. As sequências se repetem e a narrativa se torna circular, dificultando a compreensão do que é realidade e o que é sonho.
3. Cão Estrela Homem (1961-1964), dirigido por Stan Brakhage
Cão Estrela Homem é na verdade uma série de quatro curtas-metragens (mais um prelúdio, então cinco filmes no total) que foram originalmente lançados em parcelas, mas depois foram exibidos regularmente como um filme longo, como pretendido. É uma espécie de poema visual abstrato que usa quadros pintados à mão.
“Brakhage cria um mito de sua própria história pessoal desde seu nascimento, relacionamento passado com sua mãe e pai, e relacionamento presente com sua esposa e filho. Seu mito é visto em um contexto cósmico, terra, sol e lua desempenhando um papel.” — LUX
4. Ascendente em Escorpião (1963), dirigido por Kenneth Anger
Ascendente em Escorpião combina filmagens documentais com sequências estilizadas, explorando temas de rebelião, sexualidade e ocultismo. Foi filmado ao longo de três meses em Nova York e dividido em quatro seções apresentando imagens como iconografia cristã e até mesmo imagens nazistas. Seu uso de música em particular o tornou um sucesso, e desde então tem sido considerado a base para os videoclipes de hoje, particularmente durante a era da MTV.
5. Cabeça de borracha (1977), dirigido por David Lynch
Escrito, dirigido e estrelado por David Lynch, Cabeça de borracha é uma jornada de pesadelo para o subconsciente, contada de forma não linear. É um filme de baixo orçamento, em preto e branco, que não teve muito sucesso no lançamento, mas depois se tornaria um clássico cult.
6. Doença Tropical (2004), dirigido por Apichatpong Weerasethakul
Doença Tropical é um drama psicológico romântico que mistura realismo com folclore e explora o amor e a identidade em uma narrativa não linear. Foi descrito como um díptico, pois é essencialmente uma obra de duas partes. A primeira metade segue o relacionamento entre um soldado (Keng) e um garoto do campo, e a segunda mostra Keng tentando rastrear um xamã que pode se transformar em uma fera selvagem.
7. O jato (1962), dirigido por Chris Marcador
O jato é um curta-metragem francês de ficção científica em preto e branco, ambientado no rescaldo de uma Terceira Guerra Mundial. Ele conta a história de um homem que é enviado de volta no tempo para encontrar uma solução para a sobrevivência da humanidade após a Segunda Guerra Mundial. O filme é composto quase inteiramente de fotografias estáticas, o que enfatiza os temas centrais do filme de memória e tempo.
8. Comprimento de onda (1967), dirigido por Michael Neve
Comprimento de onda consiste em um zoom lento contínuo de 45 minutos em um apartamento em Nova York até chegar a uma fotografia do mar presa a uma parede. É muito minimalista e tem ênfase na forma, o que torna a duração um pouco desafiadora para se envolver, mas se encaixa muito bem nos temas do filme sobre a passagem do tempo! Os eventos acontecem durante o zoom lento, só para você saber.
9. Azul (1993) por Derek Jarman
Azul é um filme de vanguarda britânico que consiste em uma única tomada estática de uma tela azul com narração, efeitos sonoros e música. Na narração, Jarman fala sobre suas experiências com a AIDS, sua visão debilitada e o impacto da doença em sua vida e trabalho. A tela azul é uma metáfora para a dor emocional e física que ele está passando no momento. Azul foi o último longa-metragem que ele lançou antes de sua morte, apenas quatro meses depois.
10. A Montanha Sagrada (1973) por Alexandre Jodorowsky
Outro filme surreal, A Montanha Sagrada envolve Alejandro Jodorowsky explorando espiritualidade, misticismo e transformação. Uma figura semelhante a Cristo se junta a um grupo de personagens representando plantas no sistema solar, e eles partem em uma jornada para alcançar a Montanha Sagrada para a iluminação.
Conclusão: Cinema experimental ou de vanguarda
Nem sempre é fácil gostar ou entender filmes experimentais, e ter contexto adicional sobre as influências ou razões por trás das escolhas dos cineastas pode ser realmente útil para isso. Não há dúvida, porém, de que nos últimos 100 e poucos anos, filmes experimentais têm continuamente expandido os limites do que o cinema pode ser, nos fazendo pensar além da narrativa regular.
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Sobre esta página
Esta página foi escrita por Marie Gardiner. Marie é escritora, autora e fotógrafa. Foi editada por Andrew Blackman. Andrew é um escritor e editor freelancer, e é um editor de texto para Envato Tuts+.
