E deve-se prestar muita atenção à forma como esses sons se relacionam entre si. Afinal, os instrumentos que você usa podem definir o seu som.
Hoje, veremos a arte de combinar instrumentos e sons e como essa prática pode resultar em belas músicas. Mas primeiro, vejamos alguns exemplos históricos e contexto.
A história e evolução das combinações de instrumentos
As pessoas têm experimentado combinar instrumentos há séculos – ou mesmo milênios. Algumas combinações de instrumentos com os quais estamos familiarizados hoje evoluíram ao longo de centenas de anos. Outros foram o resultado da necessidade, de um acidente ou de uma ideia maluca no calor do momento.
Novos instrumentos musicais foram inventados por músicos e compositores enquanto lutavam para encontrar a combinação certa de sons.
Um ótimo exemplo disso vem do clássico filme “The Glenn Miller Story” como um ótimo exemplo. Miller foi um músico, compositor e líder de banda que alcançou a maior parte de seu sucesso no final dos anos 1930 e início dos anos 1940.
O tema recorrente no filme era que Miller via toda a banda como um instrumento e procurava a combinação certa para obter um som memorável e único que definiria sua geração. Ele finalmente encontrou esse som reforçando a seção do sax e substituindo um trompete por um clarinete – apenas porque o trompetista sofreu uma lesão – e o resto é história.
Tudo isto quer dizer que a combinação de diferentes instrumentos produz resultados diferentes. Vamos voltar nossa atenção agora para algumas combinações de instrumentos bem conhecidas.
Combinações estabelecidas de instrumentos
Embora a experimentação seja essencial, é igualmente importante compreender as combinações estabelecidas que resistiram ao teste do tempo. Aqui estão alguns exemplos clássicos que vale a pena explorar:
Artistas solo
Esta não é realmente uma combinação, mas vamos começar da forma mais simples possível: um único instrumento sozinho ou acompanhando um cantor. Normalmente, os artistas solo tocam piano ou violão enquanto cantam, mas outros instrumentos também foram usados.
Guitarra e piano são particularmente adequados para acompanhamento solo porque proporcionam harmonia e ritmo. Elton John e Billy Joel tiveram carreiras solo de muito sucesso. Eles se concentram em arranjos interessantes de um único instrumento que complementa sua voz e a música.
Muitos cantores e compositores começaram como artistas solo. As bandas individuais ampliam a ideia do artista solo adicionando instrumentos adicionais que eles próprios tocam.
Folclórico
Os músicos folk tocam principalmente instrumentos acústicos, incluindo violão, banjo, gaita, violino, contrabaixo, flauta, flauta doce e bateria – e possivelmente tambores manuais. Uma formação de duas guitarras é popular, combinando dedilhar ou dedilhar com melodia ou linha de baixo. Sons sintetizados normalmente não são usados em favor de sons naturais que se adequam muito melhor ao gênero. Para um som mais rock, pode-se usar guitarra elétrica e alguns instrumentos podem ser amplificados.
Jazz
A guitarra é muito usada no jazz, mas o piano parece mais indispensável. As formações de jazz variam e incluem uma variedade de instrumentos, incluindo baixo, – muitas vezes vertical – clarinete, sax e instrumentos de sopro.
País
Na música country e ocidental, os instrumentos acústicos são misturados com os elétricos. Essencial para o sabor é o pedal steel guitar, que adiciona sustentação, portamento, palhetada e acordes arrastados. Dobros são frequentemente usados para adicionar um som mais brilhante e ressonante à mixagem.
Música ambiente
A música ambiente geralmente apresenta cordas ou pads junto com piano ou outros instrumentos. Os arranjos costumam ser muito esparsos e contam com sons sustentados com conteúdo harmônico interessante e pouquíssimo ritmo.
Rock country
O country rock toma emprestado o estilo da música country, mas se concentra mais em instrumentos elétricos, como a guitarra solo. Eles também podem usar instrumentos acústicos como violão, banjo e pedal steel guitar. O órgão de rock é frequentemente usado e, às vezes, o piano também
Pedra
Guitarra elétrica – geralmente rítmica e solo -, baixo e bateria formam a base do som do rock. O som da guitarra geralmente depende muito dos efeitos do pedal, como distorção e overdrive. Estes podem ser complementados por piano, órgão e outros instrumentos.
Hip Hop
A instrumentação do hip-hop é muito escassa. Possui bateria – geralmente samples de bateria eletrônica retrô – e baixo, além de frases esparsas de teclado ou guitarra. A escassez da instrumentação mantém o foco na letra e no ritmo.
Orquestras
Em grandes produções, orquestras são usadas para adicionar cor extra a um som, especialmente com instrumentos de cordas, sopros e metais. Essas famílias musicais foram desenvolvidas ao longo dos séculos, à medida que os músicos exploravam os tons agudos, médios e graves de um timbre específico.
As orquestras têm um som rico que requer um grande grupo de músicos e instrumentos para ser alcançado. Os sons da orquestra são frequentemente sintetizados e amostrados, mas nada se compara ao som rico de uma orquestra real. Compor para uma orquestra é um estudo completo por si só.
Encontrando seu próprio som
Depois de explorar as maneiras como outras pessoas combinam instrumentos, é hora de mergulhar em sua própria experimentação. Encontrar o seu som único é um processo de tentativa e erro, criatividade e um pouco de coragem. Aqui estão algumas dicas detalhadas e exemplos para ajudá-lo ao longo do caminho:
1. Considere os músicos e instrumentos que você tem disponíveis
Comece com o que você tem. A combinação pode ser original desde o início, simplesmente pelos instrumentos ou músicos específicos à sua disposição. Abrace essas limitações como oportunidades para criatividade.
Por exemplo, se a sua banda é composta por um violinista, um baterista e um guitarrista, pense em como você pode combinar esses sons de maneira única. Talvez o violino assuma um papel melódico mais proeminente enquanto o violão se concentra no ritmo e na harmonia, criando um som clássico e contemporâneo.
2. Comece com instrumentos específicos de gênero
Comece com instrumentos típicos do gênero em que você está trabalhando e, aos poucos, introduza algo diferente. Esta abordagem fundamenta a sua música em território familiar, ao mesmo tempo que permite a inovação.
Então, se você estiver trabalhando em uma faixa de jazz, comece com piano, baixo e bateria. Em seguida, experimente adicionar um instrumento inesperado, como uma cítara ou marimba, que pode introduzir novas texturas e levar o gênero a uma nova direção.
3. Misture sons comuns com acréscimos exclusivos
Use um conjunto comum de sons como base e, em seguida, adicione algo diferente ou único à mixagem. Pode ser um instrumento, um efeito específico ou até mesmo uma técnica de execução não convencional.
Imagine uma configuração de rock tradicional com guitarra elétrica, baixo e bateria. Agora, coloque uma harpa ou um theremin para adicionar um elemento sonoro completamente diferente. O contraste entre o familiar e o incomum pode fazer com que sua música se destaque.
4. Substitua instrumentos por resultados inesperados
Substitua um dos instrumentos esperados por algo incomum ou inesperado. Isso pode alterar drasticamente o caráter da sua música e levar a novas combinações emocionantes.
Em uma canção folclórica americana, tente substituir o violão por uma kalimba. O som metálico e dedilhado do kalimba pode dar à sua faixa uma qualidade etérea e sobrenatural que a diferencia da música folk que você normalmente toca.
5. Combine elementos de diferentes gêneros
Pegue um subconjunto de instrumentos de dois gêneros diferentes e misture-os. Isso pode levar a sons inovadores que desafiam a fácil categorização.
Considere misturar as cordas orquestrais da música clássica com os ritmos de uma batida de música eletrônica de dança (EDM). O resultado pode ser uma peça cinematográfica e de alta energia que ressoe com os fãs de ambos os gêneros.
6. Explore estruturas rítmicas únicas
Encontre uma combinação sonora única para a infraestrutura rítmica da sua peça e construa sobre ela. Às vezes, um ritmo distinto pode servir de base para todo o seu som.
Em vez de confiar na bateria tradicional, tente usar a percussão manual ou mesmo a percussão corporal (como bater palmas ou pisar) como base rítmica. Camada de instrumentos melódicos que complementam a sensação orgânica do ritmo.
7. Reatribuir papéis instrumentais
Experimente atribuir diferentes funções aos instrumentos. Por exemplo, toque uma melodia com um instrumento baixo ou use um instrumento tradicionalmente melódico para acompanhar o ritmo.
Imagine usar um baixo para tocar uma linha melódica mais aguda, enquanto a guitarra solo lida com progressões de acordes rítmicos. Essa inversão de papéis pode adicionar intriga e complexidade à sua composição.
8. Misture sons acústicos e elétricos
Procure combinações incomuns de sons elétricos e acústicos. O contraste entre o calor natural dos instrumentos acústicos e a nitidez dos instrumentos elétricos pode criar uma dinâmica atraente.
Combine um piano acústico com uma guitarra elétrica usando distorção pesada. A interação entre os dois pode produzir um som ao mesmo tempo fundamentado e ousado, ideal para gêneros como indie rock ou música experimental.
9. Use efeitos digitais de forma criativa
Experimente diferentes efeitos digitais em seus instrumentos, principalmente com guitarras elétricas ou sintetizadores. Efeitos como reverberação, atraso ou modulação podem transformar sons comuns em algo extraordinário.
Por exemplo, você pode pegar um riff simples de violão e executá-lo em um pedal de delay para criar um efeito de eco em cascata. Adicione reverberação para uma sensação espaçosa e, de repente, uma melodia simples assume uma qualidade atmosférica assombrosa.
10. Incorporar instrumentos mundiais
Apresente instrumentos como didgeridoo, cítara ou tambores de aço. Esses instrumentos trazem timbres únicos e significado cultural, acrescentando profundidade e diversidade à sua música.
Imagine um conjunto de jazz incorporando o som profundo e ressonante de um didgeridoo. A combinação incomum pode criar um gênero de fusão que parece baseado na tradição e inovador em sua abordagem.
11. Experimente técnicas de jogo incomuns
Tente tocar instrumentos de maneiras que eles normalmente não são usados. Seja tocando um violino como um violão ou usando um arco em um vibrafone, essas técnicas podem produzir resultados inesperados e fascinantes.
Use um arco em um prato ou cordas de guitarra para produzir tons misteriosos e sustentados. Essa técnica, popular na música experimental, pode adicionar uma qualidade misteriosa ou sobrenatural à sua música.
12. Crie e manipule sequências MIDI
Se você estiver trabalhando digitalmente, crie uma sequência MIDI das partes principais da sua música e, em seguida, experimente trocar diferentes instrumentos. Brinque com os volumes, movimentos panorâmicos e efeitos relativos até que os elementos se misturem perfeitamente.
Você pode começar com uma sequência básica de piano MIDI e gradualmente substituir o piano por uma variedade de sintetizadores, cordas ou até metais. Cada mudança de instrumento pode trazer um novo sabor à faixa, ajudando você a descobrir a combinação perfeita.
Comece a experimentar combinações de sons
Estas são apenas algumas ideias para ajudá-lo a começar, mas temos certeza de que você pensa em mais. E ao fazer isso, você encontrará a combinação perfeita de instrumentos e sons que definem sua voz musical única. A jornada envolve exploração, então não tenha medo de ultrapassar limites e desafiar convenções. Seu som está lá fora. Agora cabe a você encontrá-lo.
